Adattamento cinematografico dell’iconico romanzo di Jane Austen. La storia segue le vicende delle sorelle Elinor e Marianne Dashwood che si ritrovano in ristrettezze economiche dopo la morte del padre. Un adattamento che coniuga il commento storico e sociale del testo austeniano con un autentico senso di modernità.

Dopo la morte del padre, Elinor, Marianne e Margaret Dashwood sono costrette a lasciare Norland, la magnifica tenuta nel Sussex dove sono cresciute. A ereditare, come da tradizione britannica del XVIII secolo, è il fratello, John Dashwood, nato da un precedente matrimonio. E John, soggiogato da una moglie avida di denaro, non lascia nulla, o quasi, alle sue sorellastre, che si trasferiscono con la madre in un modesto cottage nel Devonshire. Ospiti di una vicina della signora Jennings, cugina lontana dal carattere deciso, Marianne soccombe al fascino di John Willoughby mentre Elinor attende invano la visita di Edward Ferrars, il fratello mite della moglie del suo fratellastro. Ragione e sentimento sono i due poli attorno ai quali Elinor e Marianne dovranno ricostruire la loro esistenza, sconvolta dalla morte del padre e dall’arrivo di pretendenti che potrebbero cambiare il loro destino.

Adattare un’opera canonica della letteratura suscita sempre una certa apprensione. Le aspettative sono ancora più elevate quando l’opera in questione ha già prodotto numerosi adattamenti e segnato intere generazioni di spettatori.

La trasposizione più celebre di “Ragione e sentimento”, pubblicato nel 1811 in forma anonima, rimane senza dubbio quella di Ang Lee, interpretata da Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant, Alan Rickman e vincitrice di un Oscar per la sceneggiatura nel 1996. È in questo intimorente retaggio che si inserisce il nuovo adattamento di Georgia Oakley (Blue Jean), fedele alla storia e allo spirito di Austen, che celebra la solida relazione di due sorelle, malgrado l’antagonismo dei loro caratteri. Lontana dal proporne una lettura manichea, Oakley confronta le protagoniste con l’amore, raramente slegato, nell’Inghilterra del XVIII secolo, dalle questioni finanziarie e sociali.

E la sua versione è promettente dal debutto. Un patriarca che non vedremo mai, una tenuta che va al figlio del primo matrimonio, una famiglia di donne che non possiede più nulla, se non la speranza di un matrimonio che garantisca felicità e sicurezza. Oakley descrive con precisione il valore di una donna alla fine del Settecento ed esplora il divario tra le nostre aspettative e la realtà, tra ciò che scegliamo di credere e ciò che accettiamo di sacrificare. Il film lo dice senza mezzi termini. Per queste giovani donne, amare significa puntare tutta la propria esistenza su un uomo che rimane sempre libero di scegliere, di tacere o di andarsene. Il pudore di Elinor e l’esaltazione di Marianne sono alla fine risposte diverse a una stessa impotenza. Repliche che le conducono a ridefinire il proprio rapporto con il mondo: Elinor concede finalmente spazio ai sentimenti, mentre Marianne scopre la necessità di controllarli. L’interpretazione di Oakley si annida nei dettagli. All’interno di una composizione generalmente molto stabile, alcuni movimenti di macchina, riprese dal basso o dissolvenze incrociate vanno oltre la semplice narrazione per arricchire il ritratto psicologico delle due sorelle. La regista si sofferma sulle mani di Elinor al lavoro, su quelle di Marianne in amore, su quelle di Margaret macchiate di more e ancora su un volto soffiato dal vento o sull’orlo di un abito bagnato dalla pioggia. Il vero tesoro del film risiede proprio nell’importanza attribuita alle sorelle, che finisce addirittura per soppiantare le storie d’amore. La sorellanza è il cuore dichiarato del progetto, il volto più bello di un’irrefrenabile voglia di vivere, con o senza l’altro. Progressivamente, con discrezione, Elinor e Marianne smantellano i rapporti di forza che strutturano la seduzione, senza che questo intacchi la serenità emozionante del lieto fine e il piacere di contemplare un’altalena che oscilla al ritmo della brezza inglese. Se il testo originale faceva dialogare due personaggi, la sceneggiatura opta per la fusione, una comprensione reciproca tra Elinor e Marianne, che risultano più vicine. Daisy Edgar-Jones (Normal People) interpreta Elinor con la giusta moderazione mentre Esmé Creed-Miles (Hanna) compone una Marianne il cui ardore trabocca dallo schermo. La m.d.p. si attacca ai loro volti, ai loro corpi, ai loro abiti sgualciti e macchiati, avvicinandoci alla famiglia Dashwood in esilio ma sempre complice e piena di vita. Intorno la natura respira. Elemento centrale nell’opera di Jane Austen, il film immerge lo spettatore nei paesaggi rurali dell’epoca e sottolinea abilmente i sentimenti dei personaggi, delineando un ritratto caustico della società inglese dell’epoca georgiana, in particolare del sistema di classi e della condizione delle donne in una società ultra-patriarcale, altra dimensione capitale nel lavoro dell’autrice.

Un viaggio on the road tra Europa e States sulle tracce dell’anima segreta del padre della pop art. Le origini dell’artista che ha fondato la pop art americana in un film originale e appassionante.

La storia dell’umanità è fatta di migrazioni, spostamenti, ricerca di luoghi migliori dove intraprendere nuove vite. In passato, ripartire da zero e fondare qualcosa di buono era possibile. Era un sogno, ma tangibile che poteva divenire realtà. Nei primi anni del Novecento, tra le due guerre, la famiglia Warhola intraprende un lungo viaggio dalla Slovenia per giungere in quel luogo che, allora (certamente non oggi), tutti sognavano. Il paese del sogno americano. E così per primo verso gli Stati Uniti parte il padre di Andy Warhol, Andrey Warhola, lavoratore instancabile che, anno dopo anno, mette da parte i soldi per far giungere anche Julia Warhola, moglie e futura madre del geniale Andy. Il personaggio che tutti conosciamo oggi. Senza questa grande storia alle spalle e senza due genitori che, fin dalla sua nascita come minore di tre fratelli e di una bimba che, a pochi mesi perde la vita, intuirono immediatamente che il figlio piccolo aveva qualcosa in più rispetto agli altri, Andy non sarebbe stato l’artista che oggi conosciamo. Un talento e una personalità (fragile, peculiare, ma brillante) che padre e madre avevano capito. Sul letto di morte, racconta uno dei nipoti di Andy Warhol, il padre fa promettere a Julia che Andy avrebbe studiato, che i soldi da lui messi da parte con sudore sarebbero stati destinati a un’Università americana. Un sogno dell’est, rarissimo per un figlio di prima generazione di due migranti, che si è avverato. Non solo Andy studia, all’inizio con non poche difficoltà, ma poi, pian piano, trova il suo talento, ciò di cui è capace e intraprende gli studi in una scuola d’arte di Pittsburgh, la città di adozione della famiglia Warhola.

Il film di Ubomír Ján Slivka parte da questa inedita chiave per raccontare le origini – poverissime, dure, ma dense di una speranza tangibile – dell’artista che, non solo ha fondato la pop art americana, ma che ha trattato qualunque argomento con intelligenza e raffinatezza (moda, grafica, arte, televisione, fotografia, lo star system, la vita, la morte, l’umano).

Una chiave congeniale per non far mai perdere l’attenzione allo spettatore che, anche il più appassionato, in questo film può trovare ancora delle degli aneddoti nuovi per rivedere e imparare da questo personaggio che tutt’ora fa la storia della nostra cultura. In questo ambito nel contemporaneo esiste un solo artista, in tutto il mondo, che è stato capace di intraprendere quella strada e che, passo dopo passo, ancora oggi la porta avanti. Solo l’italiano Maurizio Cattelan, infatti, può essere paragonato a Warhol per il suo percorso, le scelte, le ambizioni e i talenti. Oltre che per i diversi media che entrambi hanno toccato.

Warhol è stato ed è ancora un grande modello di riferimento per gli artisti visivi contemporanei. Che poi, di artista visivo solamente non si trattava: come asseriscono critici di stanza Polacca e Ceca nel film, che finalmente prendono parola narrando delle loro istituzioni che, fuori da Manhattan e Pittsburgh, hanno creato e portato avanti la storia e l’arte di Warhol, raccontano di Andy come di un “regista, musicista, artista, designer”. Di fatto questo personaggio, amato e accudito dalla madre fino alla fine, anche durante momenti delicati e drammatici come l’attentato alla vita da parte della regista (grazie a Warhol) femminista Valerie Solanas, è sempre stato un punto di riferimento. Nel film, in particolare, sono tre i ciceroni che riprendono le fila della vita di Andy, sin dal passato: i nipoti Donald e James Warhol, e il suo primo amico d’infanzia, Charles Lisanby, che, da Miková, paese d’origine dei Warhola, mostra al regista la casa dove Andy è nato (tra arredi dell’Europa dell’est, icone russe e un disegno dell’interno ben realizzato da un Andy bambino) e la tomba di famiglia. Charles, anziano, ricorda il primo ritratto che l’amico artista gli fece. Chissà che fine ha fatto quel disegno che oggi sarebbe preziosissimo. James Warhola, che narra con affetto e passione le gesta dello zio, oggi è un talentoso illustratore che utilizza spesso lo zio come soggetto, raccontando anche le azioni della famiglia, con quell’ironia tipica della pop art e del fumetto. “Andy won’t say a word. He will whispers to me and I will tell you” esordisce la bella Edie Sedgwick (icona dello star system, diventata nota grazie all’artista) durante un talk televisivo in cui Warhol fu invitato a partecipare. Una boutade artistica? Forse. Ma sicuramente un modo operativo che a Andy era congeniale e faceva parte della sua personalità timida e introversa. Personalità che riesce a celare dietro a una piccola macchina da presa o fotografica, che utilizzava sempre, come uno scudo per osservare il mondo e per rifuggirlo. Un mondo che, con curiosità e arguzia, riesce a ricreare intorno a sé rendendolo fisico. Nel 1962 a New York nasce la Factory. Lo studio presso Union Square di Andy Warhol che, difatti, è un incubatore creativo e luogo di incontro. Successivamente anche sede di Interview Magazine, anch’essa fondata da Andy. Se passavi alla Factory allora eri qualcuno. Si trattava di un magazzino abbandonato che l’artista trova insieme al suo primo assistente storico, Gerard Malanga (che lo aiutò a realizzare la maggior parte delle opere, tra cui le prime grandi serigrafie che riportavano, attraverso la pittura, fatti e persone tratte dal quotidiano e da quell’establishment che Andy trattava con intelligenza e critica ironia). Malanga fu anche attore in alcuni film di Warhol, come il mitico Clockwork Orange, tratto dal romanzo dello scrittore underground Anthony Burgess. Di underground non vi erano solo le fonti di ispirazione e lo stile bohemien contemporaneo della Factory – famosissime le pareti d’argento realizzata dal set designer Ben Kelly, create con vernice argentata, carta stagnola e specchi rotti -. I Velvet Underground da gruppo di nicchia divengono di grande fama grazie al lavoro culturale e di marketing che Warhol intraprende.